Ntuwb 99下公演@國家音樂廳
作為一個學生程度的樂團訓練者，所會面臨的問題大致上會有下面這些：沒有信心、聽不出樂團有問題與否、覺得樂團有問題卻不知道問題在哪、知道問題在哪卻不知道如何改善、不知道如何權衡問題的輕重以及解決的先後順序、不知道如何或是過於急切的或是過於畏縮的用身體或言語來表達自己的意見等等。以上的問題有很大部分來自於信心的不足，而這樣的信心不足多半是由於知識、敏感度、技術以及經驗的缺乏所導致。這段文字將會由這四方面來探討一個學生指揮在面對樂團訓練前所能準備的事。
在帶領樂團作基本練習甚至樂曲演奏之前，一個學生指揮必須熟悉所有樂譜上出現的符號以及其代表的意義；其中更重要的是，這些符號在實際演奏時要如何被表現。舉例來說，”>”這個符號是重音記號（accent），大家都知道要演奏得重些，但是要重成什麼樣子？要吹多長？它和”^”的分別是怎樣？這些是你必須要知道的。更進階的，比如說圓滑線裡的重音要不要加舌頭attack？半斷奏要如何演奏？雖然在不同情況下可能會有不同演奏法，不過基本而普遍的原則也是你必須要了解的(註一)。除了樂譜上的記號之外，許多屬於基本樂理的知識包括節拍、音程、和聲、調性、轉調、不同記譜法……等等也是必備知識。其次，對各種樂器的發聲原理、調性、演奏方式、以及演奏上較困難的地方也要有初步的了解。至於音樂史及音樂風格的知識則是比較進階的內容，對一位學生指揮在樂團基本訓練上並不是絕對必須，當然若有會更有幫助。音樂是種聲音的藝術，音樂的色彩來自於聲音；因此，一個好的學生指揮還必須要有對好的聲音的知識，或著精確點說，是對好的聲音的熟悉及認識。每種樂器正確共鳴的音色是如何？什麼叫做好聽的和聲？什麼叫做好的平衡？這些很難用文字溝通，而必須靠不斷的聽優秀的演奏者或是優秀的樂團的現場演出來體會（當然，聽錄音也是種很好的方式，不過和實際的聲音是的確有落差的）。唯有體會到了什麼是好的聲音、好的和聲、好的平衡，才有可能在面對一個你覺得需要調整的樂團時針對問題解決，使樂團在你的調整之後，發出比較接近你心目中理想的音響和色彩。
敏感度。我認為這是最重要卻也最難培養的一部份。所謂的敏感度包含了對速度的敏感（60有多快？88？120？144？152？Lento大概多快？Andante呢？Allegro呢？Presto呢？）、對速度的穩定度以及對速度變化的感覺、在可以做到精確的分割之後進而發展對不同節拍以及節奏型性格的掌握（如節拍方面三拍子的舞蹈性及不穩定性、兩拍子及四拍子的行進性、複拍子的以三分為基礎、五七九拍子的以二或三或四拍子為組合之基本因子，或是節奏型方面如附點及其他「小音符加大音符」的馬蹄性格、三連音及兩拍三連音的舞蹈性、切分音的重心偏移……等等）、對音準的敏感度（聽不聽得出拍音的存在？）、對音程的敏感度（這點非常重要！音與音之間的距離在橫向上構成了旋律，在縱向上構成了和聲；要真正體會到什麼樣是好聽的、或是適宜的音與音之間的距離，才能對團員的演奏作出適切的調整）、對和聲的敏感度（什麼是最好聽的大三和絃？五音夠高嗎？會不會太高？三音夠低嗎？會不會太低？那屬七和絃呢？小三和絃呢？和聲解決呢？）、對平衡的敏感度（低音夠不夠大聲？中音部夠不夠銜接低音部至高音部？高音會不會太多？）、對音色的敏感度（豎笛的聲音要不要再亮一點或是暗一點？強銅管的edge tone會不會太多？Tenor Sax的呢？小鼓這裡要不要上響弦？定音鼓這裡要用硬槌還是軟槌？那高音木琴呢？……諸如此類），還有最困難的：對運音（articulation）方式、樂句、樂曲結構以至於音樂風格的敏感度。對各不同面向的訓練方法，略述建議如下：
1. 速度：有幾個速度的標準可供平時不斷的體會。有秒針的手錶可以提供對60和120甚至180的體會；平時休息時的心跳約在60~72上下，約略是Andante的速度。此外，用你對你熟悉的曲子的聽覺印象記住該曲子的速度也是一種好的訓練方式。最後，節拍器永遠是最好的練習輔助工具。
2. 節拍：以穩定的速度為基礎。其次，從聆聽樂曲演奏中實際去感受不同拍子的特性是最為實際而有用的方式。 3. 節奏：對不同節奏型的體會永遠要從對該節奏的精確演奏開始。精確演奏始自於對拍子的分割及組合。在能夠精確演奏某一節奏型之後，練習不斷重複該節奏型直到可以不必一直數最小分割單位即可演奏該節奏；此時請在不斷的重複中仔細體會該節奏型的感覺，最好能輔以身體的律動（別忘了，自有人類以來，節奏的產生永遠是伴隨著身體律動而來的！）同樣的，對好的演奏的聆聽在節奏感的訓練上也是必須。
4. 音準、音程及和聲：絕對音感對一個學生指揮來說不是必須，請不必擔心。但是對音準及音程的敏感度，也可以說是相對音感，卻絕對是必要的。對音準及音程的敏感度的訓練方式無它，只有從聆聽自己及其他演奏者的獨自演奏或是重奏中不斷磨練及體會。當然，調音器更是可以使用的利器。請特別註意怎樣是「好聽」的旋律或是和聲，這裡的「好聽」是自由心證：你聽到的覺得最好聽的那個，就是了；請註意，是「最好聽」的那個，不要放鬆自己的標準。縱然如此，仍請相信你自己的感覺；音樂好不好聽，本來就是由人的感覺來判定，別害怕。
5. 音色與平衡：怎樣是好的音色？怎樣是好的平衡？永遠無法用文字精確敘述，只能請你多聽現場演奏，多聽各種樂團的演出。唯有這樣，你才會找到屬於你的好音色和好平衡。
6. 音樂感：方法無它，唯多聽而已。對著譜聆聽演奏往往更能幫助你體會不同時期的音樂風格、表現方法，甚至是詮釋手法。
再來要談到的是技術。所謂的技術，實際上所指的絕大部分就是「手的技巧」。作為一位指揮，我們的樂器就是整個樂團；而操控這個大樂器的方式是藉由我們的手、身體、面部表情等表達我們的思考和情緒。這些表達工具裡面最為重要的就是手的技巧；它的重要性之於指揮，就如同氣的操控以及舌頭控制的重要性之於管樂演奏者一般。如同所有吹奏技巧的學習，這個部分能用文字描述的程度極其有限，最好的學習方式還是找位好的老師紮紮實實的從基本技巧開始練習，然後在持續的練習中體會出屬於你的好的指揮方式(註二)。因此，本段文字只能簡略的描述一些原則。
什麼是好的指揮方式？許多人常會執著於拍子的打法、要不要用指揮棒、左右手是否一定要嚴格分開等問題；事實上，這些都是其次的事。指揮最基本的原則只有兩項：第一，要清楚；第二，如同演奏樂器一般，要有「適當的緊張度」。所有其他的問題只要在這兩個原則之下都可以找尋到解答；在符合這兩項原則的前提下，無論你怎麼發展屬於自己動作的特色，都可以稱為「好的指揮方式」（當然，優秀的指揮者除了把這兩項原則發揮到極致之外，他們的指揮之中還有一些其它的因素，使得那可以不只是「好的指揮方式」，而更是「優秀的指揮方式」）。底下我們分開來談。什麼是「清楚」呢？清楚就是，利用你的肢體語言把你要團員作的事明確、適時而適量（適度）的傳達給他們；也就是說，除了你的帶有指示意味的動作要清晰之外，也不能讓任何其他會混淆你的指示意味的動作出現。清楚的指揮動作往往也是使得團員能集中精神的必要條件。那「適當的緊張度」代表什麼呢？這要分兩個層面來談。在生理層次上，如同其他各式的演奏者一樣，適當的緊張度表示不會太放鬆（造成精神上的不集中）或是太緊張（肌肉緊繃而導致動作的不順暢以及體力不必要的喪失），而能自在的表現所想要展現的肢體動作；而在音樂層次上，適當的緊張度除了不讓團員因為指揮者的動作而太過懶散不集中精神、或是太過緊張而造成呆滯或神經質之外，也提供了指揮者最大的利用調整緊張度來創造張力表現的空間。
因此，絕大多數基本的指揮技巧的練習，都是為了達到上述兩個原則的訓練。不同流派或是不同老師在指導學生時所使用的入門方式皆有不同，但所指向的目標是一致的（也許在練習的先後順序上有所差異；比如說，有人以點的練習入門，有人則由線條的練習入手，有人兩者並行）。在這裡，筆者依據自己的經驗嘗試整理出幾項基本練習的目標以及方式：
1. 手的形狀。不論用不用指揮棒，初學者都應該先固定一個手的形狀（figure），再用這樣的形狀去作畫線及畫拍子的練習。特別要註意的是，大多數的老師會要求固定的手腕，這樣的目的是為了訓練一個清楚的拍點出現在指揮棒尖端或是手指尖端，以免因為手腕過度的活動而使得拍點亂甩造成不清楚的指示。當然在學到一定程度之後要表現音樂時手腕是可以視情況而活動的（比如說為了增加力度，或是只用手腕表現輕巧的點的效果時），不過初期的練習還是以訓練清楚的拍點為第一優先，所以手腕的固定是重要的。
2. 平順的線條，也就是精細的肌肉控制，是手的技巧中極重要的一項。各流派中，有人以畫圓圈開始、有人以畫自上至下再往左再往右最後回到上方這樣的一個十字開始練習、也有人直接以各種拍子的畫法開始訓練。不論哪一種練習方式，一開始所強調的都是用慢而穩定的速度去畫線。學生必須在一次又一次不斷的畫線練習中體會並調整自己肌肉的使用方式，以期能在適當的緊張度下畫出速度一定的平順的線條；能以越緩慢的速度畫出，往往代表了對肌肉更好（更「適當緊張的」）控制。當線條能夠被穩定而順暢的畫出之後，就可以開始以正常速度畫四拍子、三拍子以及二拍子的打法，也就是說，會在線條中加以速度的改變使拍點出現；這時候要著重的是在原來順暢的線條之中打出穩定的拍子。上面所有的練習最好能夠在大的鏡子前面實行，才能對自己的表現作最完全的觀察以玆改進。
3. 手的重量。指揮時保持適當輕鬆的肌肉的一大目的就是為了利用我們本身的資源作最有效率的表現，而對「手的重量」的應用及掌握便是其中絕佳的例子。利用手本身的重量，在它下落時如果能夠適時掌握便可以傳達出強而有力的訊息；而對這樣的力量掌握之後，指揮者更可以藉由它更清楚的表現拍點及力度。感受手的重量的第一步始於放鬆的練習：將兩手舉至與肩同高，抬平，然後突然使肩部肌肉整個放鬆，這時兩手就會下落；請務必練習到肩部肌肉可以突然整個放鬆，這時你就會在手完全放鬆的下落中感受到兩手的重量。好，接下來第二步，請依照第一步的操作，但在兩手下落到低點時突然用點力使它彈起；如果你可以感受到手彈起的同時身體為之一震，就表示你已經大致上掌握了手的重量的感覺了。特別要註意的是，在作第二步的練習時，請讓上臂與下臂保持一個100至150度的角度彈起，不要整個變成接近180度時再彈起，因為這樣做容易造成肌肉的拉傷。這兩步驟的練習中，身體應該是輕鬆而不緊繃的。此外，左手或右手要可以分別獨立感受到手的重量，因此兩手應該要分開練習。好，當你已經可以掌握到手彈起時「身體一震」的感覺之後，請把這樣的感覺在你要表達強拍時應用上去；甚至當你熟練之後，可以一樣在小的拍點上感受到手的重量。同樣的，所有的練習請在可以看到上半身的鏡子前操作。請注意你下落而彈起的手是否真的可以讓人感受到震撼？身體會不會因此而產生過度的晃動（這是不對的）？你的拍子是否仍然清楚？你的身體是否仍然保持著適當的緊張度而不會過度緊繃？
4. 指揮的一大任務即是給予正確的速度及拍子的指示。如果是一位右撇子的話，持有指揮棒的右手在大部分情況下即可以清楚給予大部分這樣的指示；而左手就可以有很大的空間不在拍數的侷限下用來表達你所想要提示樂團的各種因素。因此，左手的訓練是手的技巧訓練的另一個大重點。要先說明的是，筆者本身並不認為左手和右手必須完全作不同的工作；精確點說，不能夠二分的說持有指揮棒的右手就是拿來指示拍子、提示速度變化、表現運音（articulation）方式，而左手就是用來給cue或entrance、表示大小聲變化、表現線條和樂句等等。在非常多的情況下右手在打拍子的同時也給予力度、線條、cue等等的指示，而左手也會在必要時表現速度變化及運音方式的指示。換言之，左右手的分立不表示兩手必須執行不同工作，而只是給予指揮者在手的運用上有更多表現力而已。為了達到這種多樣的表現力，左右手分立對於一位指揮來說是絕對必需的。使左手和右手分開的訓練方式非常之多，常用的方式常是右手打拍子，左手練習給漸強漸弱、給cue、給線條……或是左右手打不同拍子等等；關於這方面的練習方法請多請教老師。同樣的，請由鏡子觀察自己左右手分開的動作是否順暢。
5. 上面四點是手的技巧中最基本的部分。在熟悉這些之後，有許多的練習必須開始進行：各種拍子的打法、各種預備拍的給法、不同articulation的打法、不同力度的打法、速度變化的打法、力度變化的打法、延長記號的打法……等等。而實際作曲子的指揮練習時，又會依需求有不同的變化。這些都需要跟著老師好好學習；更重要的，要藉由團員們的反應來修正自己。誠然，在指揮與樂團的溝通上有不少層面是需要時間來培養默契的（比如說從指揮的拍點到樂團一起出來的attack的時間差的長短上的溝通），但一個指揮的訓練是否足夠，常常反映在樂團團員對指揮者動作了解的程度上，換句話說，也就是指揮者動作的清楚程度上。因此，徵詢團員們對於指揮者動作的理解與建議而後檢討改進對於一位學生指揮來說，是件非常非常重要的事情。
6. 指揮是一種肢體語言，它和舞蹈在本質上是差異不大的。指揮的表現以手為主，但身體的其他部分也有其功用。手之外的身體常可以輔助手的動作，製造更大的張力，而對於樂曲韻律感的表現更有不可或缺的貢獻。要特別註意的是，不要因為身體的動作影響了手的動作的清晰度，造成焦點的模糊。另外一個指揮者的表現工具就是臉。當指揮者的手的技巧已經到達了一定的程度，也開始指揮樂團演奏樂曲之後，面部表情常常成為樂曲表現好壞的重要影響因子。指揮的臉部表情對於團員在音樂上表現力的影響決不下於手的動作的影響力；指揮是團員目光焦點之所在，別忽略了你的一舉一動所產生的力量。
7. 初學的指揮者在基本動作上常犯的錯誤有下列幾點：第一，手腕晃動太多，造成失焦。第二，身體或是頭隨著拍子過度搖晃，同樣會造成失焦。第三，過於急切想要表達一些指示的結果卻反而常造成表達的不適切；舉例來說，為了用左手表達漸強，肩膀不自覺的在左手的動作之前上提，反而造成左手能運動範圍的侷限及彆扭。第四，一個指揮者最有效表達的手的運動範圍在左右到兩手與身體呈180平舉、上到頭頂、下至腰部，除了極少數情況下，超出這個範圍的運動常會導致指揮者自以為給了很大的指示但團員卻感受到反效果的後果；初學者常因為樂團對自己動作的反應不夠而不自覺的加大動作範圍，而學生樂團卻可能因為經驗不足而在音樂表現上反應不出指揮者加大動作的要求，在惡性循環下，學生指揮常會一直出現很大又更大範圍的動作；這樣的情況對指揮者的身體以及對樂團的音樂表現都是傷害，需要學生指揮平時多提醒自己、以及平時就多和樂團培養對細微動作的默契來改善。
本段最後要談的是經驗的部分。學生指揮信心的缺乏一大部分可以由經驗的增長來改進。想要成長的學生指揮必須是積極的；不只是積極的學習，更必須要積極的爭取和樂團
練習或演出的機會。平時的訓練或是以上的紙上談兵究竟有沒有用，完全要靠和樂團實際操練的結果來評定。請務必在每次練習後徵詢老師以及團員們對你的建議及感想，這些對一位學生來說是極其寶貴的收穫。也許有人會顧忌到權威感建立的問題；在我看來，學生指揮的權威感的建立是來自於對自己不斷的充實以及和團員們建立默契之後彼此間的信賴，而不是來自吝於尋求批評及建議或是逃避承認錯誤。學生級的指揮者是個尷尬的角色，他既非那麼的受信賴和具有權威性，卻也不和所有團員站在一樣的地位之上。在這樣的互動關係之下，達成「建立一個讓樂團和學生指揮都有空間成長的情境」的共識，對於設有學生指揮職位的學生樂團我想是必須的。
註一：詳細的關於各種符號的演奏法不在本文討論範圍之內，在這裡僅對舉例者作基本的說明。一般情況下，”>”和”^”的差別主要在音的形狀上。”>”就如它的形狀般，演奏時的音形是明顯的「大頭」加上逐漸消去的「尾巴」，整個音的長度和未加符號的音不會有明顯差別，而創造出的效果是帶有迴響感的音。而”^”所表示的是一個強、重而突兀的音，長度一般會稍短，而且沒有如”>”般小下去的「尾巴」。另外一個常出現的符號”-“(tenuto)所表示的是除了把音值吹滿之外，還會帶有一些推力及壓力的感覺，但要註意的是，這個音的本身以及音尾並沒有音量上的變大或變小。在圓滑線中的重音記號一般是用氣去推，而不加上舌頭的attack；但有例外之情況。半斷奏的演奏一般會加舌頭（雖然也有人主張不加），但演奏重點不在每個音的attack，而在音和音連接的順暢上（也就是那條圓滑線所代表的意義）。
註二：在這裡要特別強調的是，指揮技巧的學習和樂器演奏的學習一樣，需要好的老師指導入門並時時修正錯誤，靠自己摸索常會導致不有效的練習以及錯誤觀念的養成。有心要學習指揮的學生請務必要找老師指點。
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